Наши художники

Павел Пепперштейн (1966) — российских художник, писатель, известен как создатель «психоделического реализма» — направления, где узнаваемые образы соединяются с отсылками к сюрреализму, супрематизму, восточным акварелям и даже карикатуре. Родился в семье основоположника московского концептуализма Виктора Пивоварова и детской писательницы Ирины Пивоваровой.

Его произведения входят в коллекции Третьяковской галереи, Русского музея, Центра Помпиду в Париже; он был участником Венецианской биеннале (2009), Manifesta (2014), Art Basel (2023) и остаётся одной из ключевых фигур в российском и международном художественном контексте.

Лауреат Премии Кандинского в главной номинации «Проект года» (2014). Персональные выставки: Художественный музей Базеля (2006), Мультимедиа Арт Музей, Москва (2015), музей «Гараж» (2019).

Таня Пёникер (1994) работает с акварелью и тушью, создавая сложные композиции с вымышленными персонажами, навеянные эстетикой средневековых бестиариев. Её мифология — личная и живая: сказочные существа рождаются из чувств и переживаний, а их образы — отражение реальных людей и состояний.

Пёникер – участник Уральской индустриальной биеннале (2012), биеннале Manifesta (2014) и других престижных проектах, в которых её фантастические миры предстают на границе реальности и вымысла, вызывая одновременно узнавание и удивление.

Иван Горшков (1986) – скульптор, живописец, график. Лауреат Премии «Инновация» в номинации «Художник года» (2020). Участник Триеннале российского современного искусства (2020). Его работы находятся в коллекции Новой Третьяковки и Московского Музея Современного Искусства.

Иван Горшков — современный российский художник, скульптор, живописец, график и соучредитель Воронежского центра современного искусства, один из ярчайших представителей «воронежской волны». Его стиль он сам называет «полуабстрактным экспрессионизмом» — в каждом проекте он создает уникальный мир, где материал обретает органичную, порой неожиданную форму. Горшков уподобляет творческий процесс природному, включая в него «генератор удачных случайностей», благодаря которому случайные элементы точно встраиваются в художественный замысел.

Скульптурное панно «Горизонт событий», размещённое в витрине офиса, объединяет железную скульптуру, абстрактный экспрессионизм и коллаж из реди-мейдов. Работа балансирует между скульптурой и живописью: объёмные элементы становятся линиями и пятнами, а живописные и коллажные акценты подчеркивают форму. Горизонтально ориентированные паттерны рождают ассоциации с ландшафтом, картой или абстрактным эпическим полотном, отсылая к земному и астрономическому «горизонту событий». Отражения в стекле и изменяющийся угол зрения создают дополнительную визуальную игру.

В контексте темы пространства работа становится ключевой. Язык абстракции требует особого восприятия, как изучение иностранного языка, но именно он позволяет зрителю включать воображение, интерпретировать и проживать личные переживания. Скульптура Горшкова — это дутые формы и случайные элементы, словно подвешенные в замкнутом пространстве, вызывающие удивление и побуждающие к диалогу. Её неожиданное появление в офисной среде провоцирует зрителя, разрушая привычные представления и открывая новые смыслы.

Владимир Абих (1987) – уличный художник. Пятикратный номинант Премии Курехина. Использует текст как один из основных художественных приемов, точно вписывая его в окружающую среду или превращая в перформативный акт. Работы хранятся в коллекциях Русского музея, MMOMA, Екатеринбургского музея изобразительных искусств, Нижегородского изобразительного музея и др.

Владимир Абих создает тотальные художественные ситуации, часто используя свой образ и собственную биографию. Его интересуют внимание и язык как основы познания. Он вовлекает зрителя в диалог, обращаясь к игровым элементам, подробно раскрывает процесс создания работ, снимая с искусства ореол сакральности и приближая его к повседневности. Абих работает в концептуальной традиции, используя лаконичные формы и текст.

В нашем офисе представлены работы Владимира Абиха из его персонального проекта в ART4 «Способ смотреть на вещи (рисунки и упражнения)»:

• Рис. 3. Способ говорить глупости

• Рис. 5. Схема ухода от неудобных вопросов

• Рис. 7. Схема принятия решений

Работы выполнены в псевдонаучном стиле, напоминающем технические иллюстрации из учебников. Ироничные подписи сопровождают схемы с абсурдными советами, отражающими бытовые и профессиональные ситуации.

Антон Бунденко — междисциплинарный художник, инженер и дизайнер. Родился в 1989 году в Абакане, живёт и работает в Москве. Его практика соединяет искусство, технологии и дизайн, исследуя влияние цифровой эпохи на общество и культуру.

В 2017 году Антон основал Futureisnown LAB — экосистему, посвящённую исследованию технологий будущего, спекулятивному прототипированию и развитию критического мышления. В состав лаборатории входят:

• Междисциплинарная платформа и бренд одежды, объединяющие искусство, технологии и науку;
• Производственная лаборатория по созданию мерча для компаний;
• Студия Tech-Art решений с использованием новейших технологий (AI, AR) в моде, ритейле, дизайне и архитектуре;
• Стартап (с 2022 года), разрабатывающий уникальные художественные объекты и визуальные решения для интерьеров и архитектурных пространств с помощью нейросетей.

Ирина Корина (1977) – художник, сценограф, автор объектов из фактурных материалов, а также тотальных инсталляций. Стратегия автора — вовлечь зрителя внутрь собственной реальности, похожей на абстрактные декорации воображаемого театра, где ведущую роль играет художественный материал. Лауреат премии «Инновация» (2008, 2015). Участница Венецианской биеннале (2009, 2017).

Текстильная работа Ирины Кориной — одной из ведущих художниц в жанре инсталляции в России и участницы Венецианской биеннале — словно иллюстрирует разные текстуры самого понятия «вкус». Корина — современная художница и сценограф по первому образованию, чьё театральное прошлое формирует особый подход к пространству: ее инсталляции выстроены с особым вниманием к композиции, атмосфере и зрительскому восприятию. Работы художника рождают сильные впечатления, где фантазия и реальность сплетаются в узнаваемую, но метафорическую среду.

Визуальный язык художницы сочетает волшебные образы русских сказок с эстетикой постсоветской городской среды — с её рекламой, разрушающейся архитектурой и ускользающей памятью.

Несмотря на декоративность, Корина — реалист: источником вдохновения для неё служит окружающая действительность. В её скульптурах-ребусах, соединяющих природные и культурные мотивы, зашифрованы истории, которые зритель может (и должен) придумать сам.

Дима Гред (1990) – один из важнейших уличных художников, работающий в технике Non-objective art. За 20 лет своей практики художник выработал узнаваемый стиль, характеризующийся черно-белыми геометрическими формами. Работая с пространством, художник вписывает геометрию в ландшафт, изменяя само восприятие и стен и их окружения.

В первом проекте для переговорной комнаты Дима разработал узор, покрывающий все пространство и трансформирующий его. Чередующиеся ритмичные линии напоминают структуру символов, некоторое повторяющееся и зацикленное действие, абстрактный код или шифр.  Ведь по своей сути переговоры — это поиск ключей, верных решений, их проверка на практике, доработка и новые принятия решений.

Applied Ingredients – креативная гастрономическая студия, основанная Иваном Дубковым в 2019 году. Студия исследует еду как культурный и художественный феномен, объединяя гастрономию, современное искусство, дизайн и мультимедийные практики.

Команда создает концептуальные проекты – от камерных ужинов до масштабных культурных событий – в сотрудничестве с художниками, дизайнерами, архитекторами и шеф-поварами. Также студия консультирует запуск гастрономических проектов, разрабатывая концепции, меню, дизайн пространств и стратегии развития для ресторанов, брендов и культурных институций.

Иван Дубков - основатель и креативный директор Applied Ingredients

Шеф-повар, гастрономический куратор, журналист и исследователь. Работает на пересечении гастрономии, культуры и современного искусства, создавая проекты для ресторанов, брендов и международных институций. Сотрудничал с Richter, KM20, «Стрелкой», Bookmate, V-A-C Foundation, Уральской индустриальной биеннале, Фондом культуры и искусства Узбекистана и Caravane Earth Foundation. Был гастрономическим куратором Посольства Катара в России, концепт-шефом фермерского ресторана Hinat Salma (Катар), соавтором проекта «XVII» в Палатах на Льва Толстого и преподавателем школы «Каскад».

Расима Исаева - директор и креативный продюсер Applied Ingredients

Арт-менеджер и выставочный продюсер, специализирующаяся на междисциплинарных культурных проектах. Работала с ведущими международными институциями, включая ММОМА, Unseen Art Fair, Венецианскую биеннале, Биеннале Меркосул, London Craft Week и Caravane Earth Foundation. Магистр экономики культуры и предпринимательства Университета Эразма Роттердамского. В своей исследовательской практике изучает взаимосвязь гастрономии, дизайна и устойчивого развития.

Объединяя опыт в гастрономии, современном искусстве и дизайне, команда Applied Ingredients создает проекты, в которых еда становится не только частью вкусового опыта, но и инструментом диалога, исследования и культурного взаимодействия.

«Я бы не отделял фотографию от других видов искусства. Когда произведение искусства чем-то тебя трогает, когда возникает у тебя с произведением искусства контакт, заставляет тебя о чем-то задуматься – это и есть самое важное. Не всегда надо задумываться о чем-то конкретном. Просто, бывает, зазвенит вдруг какой-то колокольчик в подсознании… В этом смысле, я не думаю, что фотография отличается от живописи или архитектуры, от кино, музыки»

Тимофей Парщиков – современный российский художник, фотохудожник, поэт, оператор и сценарист короткометражных фильмов. Лауреат премии Кандинского-2013 в номинации «Молодой художник. Проект года» и Московской Арт Премии (2021).

Тим Парщиков родился в 1983 году в Москве (Россия), живет и работает в Париже и Москве. Окончил ВГИК им. С.А. Герасимова (2006) и Высшие режиссерские курсы (2009).

Фотограф, поэт, оператор и сценарист короткометражных фильмов. Один из немногих молодых российских художников, которых давно представляют европейские и азиатские галереи.

Парщиков работает с фотографией. Его работы выделяются благодаря влиянию кинематографического образования, полученного во ВГИКе, кинематографическим элементам и эстетике киномана. Персональные выставки Тима Парщикова проходили в Риме, Мадриде, Париже, Кёльне, Санкт-Петербурге и Москве.

Он участвовал в Венецианской биеннале (2011), фотобиеннале в Салониках (2014) и фотофестивале в Ляньчжоу (2016). Его работы регулярно экспонируются на престижных арт-ярмарках, таких как Art Basel, Frieze и ARCO.

Работы находятся в Государственной Третьяковской галереи (Москва, Россия), Московском музее современного искусства (Москва, Россия), Мультимедиа Арт Музей (Москва, Россия), Фонде современного искусства La Caixa (Барселона, Испания), Европейском музее фотографии (Париж, Франция), Художественном музее Мида (Амхерст, США) и других коллекциях.

Наталья Баранова (р. 1992, Москва) — российский скульптор и искусствовед. Окончила факультет скульптуры МГАХИ имени В.И. Сурикова, а также аспирантуру факультета теории и истории искусств. С 2011 года участвует в российских и ме3ждународных выставках, симпозиумах и фестивалях современного искусства. Член Союз художников России и секции скульптуры Московский союз художников. Работает в области станковой и монументальной скульптуры, а также занимается реставрацией исторических объектов и театрально-художественными проектами.

Ключевые проекты и выставки

1. «Still life» — специальный проект на ярмарке современного искусства Cosmoscow (2023, Москва)
   Проект Cosmoscow совместно с «Мясным домом Бородина».
2. Выставка лауреатов III Московской арт-премии (2022, парк Зарядье)
   Участие в одной из ключевых институциональных выставок современного искусства Москвы.
3. «Бестиарий» (2022, 2023, Государственный Дарвиновский музей, Москва)
   Крупный выставочный проект, посвящённый образам животных в современном искусстве.
4. Международный проект «Душа России» (Лондон / Москва, 2018–2019)
   Выставки фонда Russian Art Help в Великобритании и России.
5. Реставрация скульптурной группы «Социалистический труд и знания» на здании Российской государственной библиотеки
   Участие в восстановлении одного из знаковых архитектурно-скульптурных объектов Москвы.
6. Автор мемориальной доски Героя Советского Союза В.С. Алхимова (2024, Москва)
   Реализованный монументальный проект в бронзе.

«Я родилась в семье скульптора и искусствоведа и, конечно же, вся наша жизнь — это изобразительное искусство. На становление меня как художника, кроме семьи, дополнительно повлияли художественная среда и образование. Сначала я поступила на дизайн костюма и в процессе обучения увлеклась скульптурой, что привело меня в Суриковский институт. 
Основное направление моего творчества — это внутренний диалог с историей искусства через фигуративную пластику, для чего я могу использовать любые материалы - керамику, бронзу, дерево, камень, гипс. Когда идея поселяется в голове, она мучает меня до тех пор, пока я ее не воплощу.

В 2013г. окончила Художественно-промышленную академию Краснодарского Государственного Университета Культуры и искусств (станковая графика).

В 2017г. училась в Dukley Summer School, Котор, Черногория.

Персональные выставки:

MYTH Gallery, Галерея Триумф, музей АРТ4, Москва, Параллельная программа 6-й Московской международной биеннале молодого искусства, Фонд Владимира Смирнова и Константина Сорокина.

Групповые выставки:

Shift Gallery, masters:dom, ГЭС-2, Иваново, ЦСИ Терминал А - Нижний Новгород, HSE ART GALLERY «Из коллекции Пьера-Кристиана Броше», LIMÉ Gallery, фонд Ruarts, Арт-галерея Ельцин Центра, Третье место - Санкт-Петербург, Музей Москвы, ЦСИ Винзавод. 

Людмила является постоянным участником ярмарок современного искусства: Cosmoscow - Москва, Контур - Нижний Новгород, Art Busan - Пусан. Работы находятся в крупных частных коллекциях. 

Искусство Людмилы Барониной – энциклопедия трансгрессивного опыта. Художница работает с разными формами искусства, часто совмещая изображения на тканях, найденные объекты и разные виды печатной графики в масштабных выставочных проектах. Трансгрессия не просто демонстрируется в искусстве Барониной, а является методом. Химеры, кентавры и русалки, оживление фруктов, овощей и ягод – «вольность вымысла» художницы не знает границ и не ищет оправданий. Карнавализация, свойственная искусству Людмилы, «выводит жизнь из обычной колеи» и отменяет привычные социальные роли, буквально нарушая общественный порядок. Это смех искусства над самим собой. Этот смех дает надежду на появление гораздо более открытых и демократических сообществ, чем те, что сейчас формируются современным обществом и современной жизнью.

Родилась в 1978г в Москве в семье художников и представляет третье поколение этой творческой профессии.
В 1996 г окончила Московский Академический Художественный Лицей  Российской Академии Художеств.
В 2011 курс керамики Московской Государственной Художественно-Промышленной Академии им С.Г.Строганова. 

• Номинант премии Кандинского 2016г
• Номинант 2-ой Московской Арт Премии 2021г
• Номинант 3-ей Московской Арт Премии 2022г
• Автор росписи фасадов (350м) на ОЭМК Старый Оскол
• Автор графической серии «Тайная жизнь вещей»
• Соавтор инсталляции «Табуэтика» Архстояние детское 2025 (шорт лист премии Архивуд)
• В списке 100 лучших современных художников по версии «ARTEEX»
• Член Творческого Союза Художников России, секция Новейшие течения с 2015 г

Основной темой в творчестве является изучение феномена тени, многомерная интерпретация её взаимодействия с объектом, поиск новых смыслов и метафор в тандеме объект/тень.

Работы находятся в собраниях: 

• В экспозиции Государственной Третьяковской галереи (Калининград)
• Музея А.С.Пушкина
• МУЗЕЯ AZ 
• Музея Парка Горького 
• Музея И.Глинки
• ДК Громов
• Luciano Benetton Imago Mundi Collection
• А так же в частных коллекциях: Арабских Эмиратов, Англии, Бельгии, Германии, Италии, Испании, Люксембурга, Польши, России, США, Франции, Швейцарии и Японии

Миша Suer – начал творческий путь в 2006 году с классического граффити и со временем создал собственную мифологию, населённую человечками-кереками — персонажами яркой, утопической вселенной. «Керек» в граффити — это изображение персонажа комикса, мультфильма или любого другого произведения массовой культуры, который может быть нарисован совместно со шрифтовой композицией или отдельно. Работы Миши, от уличных рисунков в Москве и Барселоне до сюжетных "кусков-комиксов", передают простые и понятные каждому сцены фантазийного мира, где царит благоденствие.

Миша Суер — уличный художник, начавший с классического граффити в 2006 году. Постепенно он отошёл от шрифтов и создал собственную мифологию: мир ярких человечков, живущих в позитивной вселенной. Его работы — это бытовые сценки жизни вымышленных персонажей, воплощающие идею утопии, простой и понятной каждому.

В рамках втор проекта для переговорной Суер создал рисунок, напоминающий фантазийную печать — лёгкий по форме, выполненный в одну линию. В своей работе он помещает героев в офисное пространство, где они строят миры, исследуют и договариваются. Так художник превращает переговоры в игру, предлагая взглянуть на деловое общение с ироничной лёгкостью.

AES+F — художественная группа, работающая на пересечении фотографии, видео, цифровых технологий и традиционных медиа. Коллектив был основан в 1987 году Татьяной Арзамасовой, Львом Евзовичем и Евгением Святским; в 1995 году к группе присоединился Владимир Фридкес, после чего она получила название AES+F. Свой художественный метод авторы определяют как своего рода «социальный психоанализ», исследующий ценности, пороки и конфликты современной глобальной культуры. 

Международное признание AES+F получили после участия в 52-й Венецианской биеннале в 2007 году, где в Российском павильоне была представлена их первая многоканальная видеоинсталляция Last Riot. В последующие годы группа создала такие крупные проекты, как The Feast of Trimalchio, Allegoria Sacra, Inverso Mundus и Turandot 2070, показанные на ведущих биеннале и в музеях по всему миру.  

Работы AES+F экспонировались в таких институциях, как Tate Britain, Centre Pompidou, Moderna Museet, ZKM, Mori Art Museum, Leeum Samsung Museum of Art, Museo Thyssen-Bornemisza и National Gallery of Australia. Произведения группывходят в важные международные музейные и частные коллекции, включая Centre Pompidou, Fondation Louis Vuitton, Moderna Museet, ZKM, Sammlung Goetz и Taguchi Art Collection.  

AES+F — лауреаты Премии Сергея Курёхина, Премии Кандинского, премии NordArt и Премии Пино Паскали.